Il mondo del teatro e della performance artistica è un universo in continua evoluzione, dove le opere classiche vengono reinterpretate e nuove forme espressive emergono. In questo contesto, artisti come Andrea Viotti e Federica Martino si distinguono per la loro capacità di esplorare diverse sfaccettature della creatività umana, spaziando dalla commedia all'indagine psicologica, dalla rilettura di testi storici alla creazione di nuove narrazioni.
L'arte come specchio delle relazioni umane: "Arte" di Yasmina Reza
Uno degli spettacoli che emerge con forza dall'analisi dei materiali forniti è "Arte" di Yasmina Reza. Questa pièce teatrale, interpretata da Christian La Rosa (Serge), Elio D’Alessandro (Marc) e Mauro Bernardi (Yvan), mette in scena le dinamiche di un'amicizia maschile messa alla prova da divergenze d'opinione che affondano le radici in sensibilità e obiettivi di vita differenti.
La storia prende avvio da un gesto apparentemente assurdo: Serge acquista un quadro totalmente bianco per una cifra considerevole. Questo evento scatena l'ilarità e lo sgomento degli amici, in particolare di Marc, e diventa il pretesto per esplorare le profondità delle loro relazioni. L'immagine chiave del testo è quella del labirinto, metafora delle discussioni che si riaprono e si rilanciano, in un continuo ribaltamento del punto di vista.
A differenza di altre opere, "Arte" osserva i personaggi sotto una luce marcatamente ironica, intrecciando momenti di riflessione a situazioni apertamente comiche. La tela bianca, o meglio, il concetto di arte che essa rappresenta, diventa il catalizzatore per far emergere le relazioni, le aspettative disattese, le illusioni, gli ego che cercano di imporsi e le prese di posizione di fronte agli eventi.
La regista, attraverso una scelta minimalista e austera per quanto riguarda scene e costumi, sottolinea l'importanza di ogni elemento in scena. Gli abiti, in particolare, rivelano fin da subito l'indole dei personaggi: Yvan, con il suo abbigliamento sciatto e privo di un colore dominante, mostra una scarsa capacità di gestire la propria vita e di avere un'opinione indipendente. Serge, con il suo aspetto raffinato e le tonalità chiare, allude a un'innocenza e a un ottimismo quasi infantile, in accordo con il suo dipinto. Marc, infine, indossa un completo nero e una camicia viola scuro, che riflettono il suo atteggiamento nichilista e sarcastico.
Come i tre personaggi che vedono nel dipinto bianco verità diverse, anche gli spettatori sono chiamati a confrontarsi con l'opera per trarne una verità personale, non assoluta.
L'arte della recitazione e la profondità del personaggio: le lezioni di Jouvet
Brigitte Jacques, traendo spunto dal saggio di Jouvet "Molière et la comedie classique", ci presenta un'opera teatrale incentrata su sette lezioni che l'artista francese tenne tra il 1939 e il 1940. Queste lezioni, dedicate a una giovane attrice di nome Claudia, avevano lo scopo di preparare l'ultima scena del personaggio di Elvira nel "Don Giovanni" di Molière.
Si tratta di un'avventura a due, maestro e allieva, che si addentrano nel "territorio oscuro" del personaggio, un percorso arduo ma necessario per comprenderlo e dialogare con esso. Elvira, nell'ultima scena, appare cambiata: non più rancorosa per il tradimento di Don Giovanni, ma in estasi, in pace con se stessa. Si accosta a lui come un angelo, annunciando un cambiamento di vita e supplicandolo di evitare l'Inferno, pur continuando ad amarlo e volendo salvarlo.
Toni Servillo, nei panni di Jouvet, incarna un maestro le cui parole sono cariche di passione, emotività e tenerezza. Lo spettacolo si basa su sguardi e silenzi, da cui nasce la creazione. La sua grandezza risiede nel rendere vive queste lezioni di recitazione, ma soprattutto di vita, permettendoci di assistere al momento più alto dello sforzo e della tenerezza dell'artista nel creare un personaggio attraverso il corpo e le parole di un'attrice.
Per raggiungere questo punto più alto, è necessario mettere da parte paure e orgoglio, liberandosi mentalmente. L'opera ci mostra il momento della creazione, un istante grandioso e tenero, in cui non si crea un oggetto materiale, ma un personaggio vivo.
Il "Barbiere di Siviglia" e la celebrazione dell'allegria rossiniana
In occasione dell'anno rossiniano, viene riproposto l'allestimento de "Il barbiere di Siviglia" creato nel 2007 dal Teatro Regio di Torino. Vittorio Borelli, il regista, restituisce la vocazione all'allegria di quest'opera, definita da Verdi "la più bella opera buffa che esista".
La semplicità della regia, pur potendo appiattire la drammaturgia musicale di Rossini e Sterbini, ha il merito di evidenziare i nodi essenziali della vicenda e di divertire il pubblico. Nel Rossini comico, lo scavo psicologico è assente e il motore principale è l'ingegno, mosso dal ritmo.
In questa versione è presente l'aria "Cessa di più resistere", spesso tagliata ma che, lungi dall'essere una mera esibizione vocale, porta a compimento l'azione e riconsegna al personaggio del conte l'importanza che aveva per Rossini e Sterbini. L'essenziale, in questo contesto, è l'aspetto ludico, sia che si ponga l'attenzione sull'élan vital di Figaro come celebrazione della nuova borghesia, sia che si riconosca nella vittoria di Almaviva un atto da Ancien Régime.
"La storia di Marco Cavallo": teatro, cura e superamento dell'esclusione
"La storia di Marco Cavallo", spettacolo prodotto dal Teatro delle Selve, porta sul palco l'esperienza di quella che fu la prima animazione teatrale condotta all'interno di un manicomio, a Trieste, nel 1973, su idea di Franco Basaglia.
Un gruppo eterogeneo di professionisti si unì per cercare un nuovo modo di stare insieme e modificare la realtà chiusa e crudele del manicomio. Attraverso la creazione di un grande cavallo di legno e cartapesta, simbolo di gioia di vivere e dei desideri dei pazienti, l'esperienza aprì il manicomio alla città e contribuì a cambiare il teatro e la cura.
Il testo di Franco Acquaviva, nato dalla convergenza di diverse fonti e da una cornice drammaturgica specifica, si basa su "Marco Cavallo" di Giuliano Scabia. Si tratta di un teatro di narrazione che "e-voca" l'atmosfera, le idee e le difficoltà di quell'esperienza. L'attore, con la forza della sua fisicità, crea un ricco tessuto di voci che dialogano in un ritmo sostenuto.
La vicenda prende avvio da un personaggio che ricorda un'esperienza universitaria, durante la quale fu inviato nel manicomio quasi dismesso di Trieste. Tra le curiosità, ingenuità e resistenze del ragazzo, si intreccia il racconto dell'esperienza storica e le manie divertenti della "compagnia dei matti".
Nel reparto P, si assiste a un teatro partecipato, vissuto in comunità, dove i malati trovano un'attività libera. Lo studente, inizialmente scettico, grazie alla sua permanenza e al dialogo, comprende il valore dell'esperienza e supera una crisi personale. Il suo ritorno dal professore segna una nuova consapevolezza.
L'attenzione del regista sui "muri interni alla mente dello studente" ci riporta ai muri, reali o simbolici, che la contemporaneità erige nei confronti dell'altro. Il messaggio finale è che "la follia è un modo per uscire da se stessi", e il teatro può rappresentare questa via, come "vita più follia".
A questo spettacolo è associato un incontro pubblico con figure importanti come Giuliano Scabia, Peppe dell’Acqua, Renato Sarti e Massimo Cirri, volto a riattualizzare il problema dell'esclusione sociale.
L'Orfeo di Monteverdi: tra Rinascimento e Barocco
L'"Orfeo" di Monteverdi, andato in scena per la prima volta nel 1607, è un'opera che ancora oggi suscita dibattiti musicologici sulla sua appartenenza stilistica, tra Rinascimento e Barocco. Tecnicamente, il primo melodramma fu l'"Euridice" di Peri e Rinuccini nel 1600.
La versione in scena al Teatro Regio di Torino, secondo il regista Alessio Pizzech, sarebbe musicalmente barocca ma drammaturgicamente ancora rinascimentale. La scenografia, un trompe l'oeil da studiolo umanista, gioca con l'inganno visivo, mentre il palco inclinato simboleggia un'immagine aggressiva e goduta dallo spettatore.
L'opera si inserisce nel Progetto Opera Barocca e continua a esercitare un forte appeal sul pubblico contemporaneo, a distanza di quattro secoli dalla sua creazione.
Don Giovanni e la creazione del personaggio
Un tirocinio presso il Teatro Stabile di Torino permette di osservare da vicino la realizzazione di "Don Giovanni" per la regia di Valerio Binasco. L'esperienza sul campo rivela l'importanza di capire il tipo di lavoro e di vedere, giorno dopo giorno, come i personaggi prendono vita, con ogni attore che ci mette del proprio.
Questo processo è particolarmente evidente nel secondo atto, ambientato in un piccolo bar, dove ogni attore immagina un bar differente, contribuendo alla ricchezza della scena.
"La madre" di Irène Némirovsky: una favola nera sull'esclusione
Sonia Bergamasco porta in scena "La madre" di Irène Némirovsky, una favola nera che esplora le dinamiche familiari e l'esclusione sociale. La protagonista, Antoinette, viene esclusa dal primo ballo della madre, desiderosa di inserirsi nell'alta società. Rinchiusa in camera, vive l'umiliazione della festa a cui nessuno si presenta, eccetto una vecchia cugina non gradita.
Di fronte a questa disperazione, la figlia ride, un riso che nasconde una storia ben più complessa. L'opera è definita "l'arma di vendetta di una scrittrice che sempre, in ogni sua opera, ricorda e non perdona".
Dario Fo e il "Mistero Buffo" rivisitato
Matthias Martelli riesce nell'impresa di riportare Dario Fo sulla scena con il suo "Mistero Buffo". Vince gli sguardi diffidenti del pubblico, scaldandoli rapidamente con risate di fronte alle giullarate esilaranti. Lo spettacolo attrae un pubblico vario, intergenerazionale.
Gli intermezzi vengono attualizzati, mentre l'interpretazione di Mistero Buffo rimane fedele e rispettosa dell'originale, ma al contempo personale. Eugenio Allegri e Matthias Martelli hanno intrapreso questo rischioso progetto nel 2016, con il permesso di Dario Fo, per evitare che la sua opera, così viva ed esplosiva sul palcoscenico, si irrigidisse sulle pagine di un libro.
Il Padre di Strindberg e le stagioni teatrali storiche
Gabriele Lavia ha diretto e interpretato "Il Padre", un dramma del 1887 dello scrittore svedese, al Teatro Carignano di Torino. L'analisi storica del teatro rivela come, nei primi centocinquant'anni, l'attività corrispondesse principalmente alla Stagione di Carnevale, durante la quale si rappresentavano opere serie, intervallate da balli. La stagione si concludeva alla vigilia della settimana di Carnevale, mentre nel 1920 venne abolita la suddivisione in stagioni.
Un panorama di opere liriche e balletti
Il materiale fornito offre un vasto panorama di opere liriche e balletti rappresentati nel corso del tempo, evidenziando la ricchezza del repertorio teatrale e le diverse produzioni che hanno animato i palcoscenici.
Tra le opere liriche menzionate figurano:
- "Gli Orazi ed i Curiazi" di Domenico Cimarosa
- "Il podestà di Chioggia" di Ferdinando Orlandi
- "San Napoleone" di Johann Simon Mayr
- "Le virtuose ridicole" (rifacimento di "Le cantatrici villane") di Valentino Fioravanti
- "Sansone e Dalila" di Camille Saint-Saëns
- "Il Werther" di Jules Massenet
- "Henry VIII" di Camille Saint-Saëns
- "La dannazione di Faust" di Hector Berlioz
- "La Navarraise" di Jules Massenet
- "I maestri cantori di Norimberga" di Richard Wagner
- "Sigfrido" di Richard Wagner
- "Fernando Cortez o la conquista del Messico" di Gaspare Spontini
- "Lohengrin" di Richard Wagner
- "Carmen" di Georges Bizet
- "Pagliacci" di Ruggero Leoncavallo
- "Peter Grimes" di Benjamin Britten
- "Falstaff" di Giuseppe Verdi
- "Der fliegende Holländer" (L'olandese volante) di Richard Wagner
- "Turandot" di Giacomo Puccini
- "Les Contes d'Hoffmann" (I racconti di Hoffmann) di Jacques Offenbach
- "Le zite 'ngalera" di Leonardo Vinci
- "Lucia di Lammermoor" di Gaetano Donizetti
- "Andrea Chénier" di Umberto Giordano
- "Rusalka" di Antonín Dvorák
- "Macbeth" di Giuseppe Verdi
- "Il Barbiere di Siviglia" di Gioachino Rossini
- "Le Nozze di Figaro" di W. A. Mozart
- "L'Amore dei tre re" di Italo Montemezzi
Il repertorio dei balletti include:
- "Lo Schiaccianoci" di Rudolf Nureyev
- "Histoire du soldat" di Igor Stravinskij
- "Serata William Forsythe Blake Works I Blake Works V" di William Forsythe
- "Romeo e Giulietta" di Kenneth MacMillan
- "Aspects of Nijinsky Petruška L’Après-midi d’un faune Le Pavillon d’Armide" di John Neumeier
Vengono inoltre menzionate opere in forma di dramma musicale popolare, come "Boris Godunov" di Modest Petrovic Musorgskij, e opere che hanno affrontato sfide di allestimento e rappresentazione, come "La Cenerentola" per bambini di Gioachino Rossini, messa in scena a porte chiuse a causa della pandemia di CoViD-19.
Il testo fornisce dettagli sulle scenografie, sugli interpreti principali e sulle date di prima rappresentazione, offrendo uno spaccato della storia delle produzioni teatrali e operistiche.
Visivo e visuale. L'approccio dei Visual Culture Studies | Andrea Pinotti (23.02.2021)
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